10月 15, 2013

日前,国家发改委对合生元、美赞臣、多美滋、雅培等六家涉嫌价格垄断的企业,开出了共计6.6873亿元人民币的罚款,对涉嫌操纵黄、铂金饰品价格的上海黄金饰品行业协会以及老凤祥银楼、老庙等5家金店进行了千万处罚。“反垄断”一词顿时大热。
相对奶粉、黄金市场,艺术品市场更加让人难以捉摸。个别画家的作品动辄上百万、上千万,不禁让人产生疑问:到底是谁规定的这样的高价?艺术品价格逐年暴涨到底存不存在价格垄断?又是谁参与了艺术品的价格垄断链条?业内的资深画廊投资人告诉笔者,艺术圈有个不成文的规定,一般中秋过后很多艺术品价格会存在一个小的涨价季。而三到五年之间,是艺术品行业一个大的涨价区间。在2008年、2011年两个代表性年份国内几乎所有的艺术品价格都上涨了一倍。而在2003年到2013年这个十年区间,国内大多艺术家作品价格上涨幅度平均超过20倍。这个价格涨幅已经超过了世界顶级奢侈品的涨价速度。
相比世界顶级奢侈品销售的创意、公关、市场、销售门店、官网等不同的运作渠道,那么,中国艺术品作为艺术家独立创作、独立完成、独立销售的独特商品,这个链条很多艺术家们既充当了设计师、企业CEO、公关专员、低端销售员,还充当了财务总监等职责。因为直到现在,很多中国艺术家不愿意把作品完全交给画廊和拍卖行代理,他们采取多条腿走路的原则,画廊也给、自己也销售、拍卖也上,但是都靠当时心情决定。如果看到同等级别的艺术家开始涨价了,听到此消息的另外的艺术家说不定也会临时涨价,因为一切要和别人平起平坐,这是中国人的攀比心理在作怪,艺术家同样没有免俗。
如果单纯认为艺术品价格艺术家说了算,那就大错特错了。拍卖行、画廊、美术馆无一例外地都参与到蓬勃发展的文化产业中,书画,字画,书法,国画,油画,画展,画廊,画家,收藏,书画门户,书画作品,中国书画,书画网,傅体书法,书法家,书画收藏,书画回收,书画代售,伍佰艺书画,傅继英,石虎,拍卖,江因风,傅体书法,书法家,书画收藏,书画回收充当了幕后推手。一位艺术家从一文不名到每件艺术品都价值百万,与这种强强联合的模式是分不开的。
广大的艺术品藏家也是艺术品价格暴涨的推手,如果哪位艺术家的作品流传在高端商务或者特权人群中,那么这些作品离价格暴涨仅仅是时间的问题了。曾经,引起全国艺术界一片哗然的天津文交所推出的艺术品资产份额产品以及后来陕西文交所推出了不到半个月就叫停的艺术品资产份额产品,都让人见识了资本疯狂的力量与不少民众贫瘠的艺术品收藏常识。
不收藏实物,而收藏一些可笑的看不见摸不着的份额产品。并且收藏艺术品不是因为喜欢,而是因为投资了会升值,这迎合了一句广为流传的歌词:多么痛的领悟啊。是啊,长此以往穷人是玩不起收藏的,但是有钱的人收藏的东西就一定有品位吗,这也是让人疑惑的!就如日本人在经济高速发展时曾在国际上大量收藏梵高等很多大师的作品。结果现在看来,很多作品现在会永久地留在日本了。因为价格泡沫之后,据说当时的作品很多被鉴定为赝品,并且这些作品即使是真品,价格也都比当时缩水了很多。
艺术品价格垄断的实质就是艺术家捆绑了画廊、拍卖行和一些伪专家,以恶意哄抬价格、操纵艺术品市场,使藏家蒙受巨大损失,提前“吃”掉了艺术品未来几年甚至几十年的升值空间,或者更有甚者以次充好,以伪当真,蒙蔽收藏者,以达到不可告人的敛财目的。让人郁闷的是,国家发改委现在只能先关注民生产品的价格垄断问题,对于关注度相对较小、涉及人群并不广泛的艺术品价格垄断问题还没有伸出拳头。看来除了艺术家自检外,收藏者们也要学会对艺术品价格垄断说“不”。让价格高得离谱的艺术品回到高阁吧,让艺术家都回归文人气,让他们自己都不好意思要高价。也请税务部门管管这些离谱的定价,这才是硬道理!

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xwzx/yw/12576.html

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为新生事物的民营美术馆未来如何良性、可持续发展,已经成为现实中的一道难题。
国内民营美术馆何时挣脱“牵线木偶”式尴尬“依托于房地产等企业的国内大多数民营美术馆,在有些功利的投资价值观驱动下往往会陷入被动。一旦其所依托的企业没法持续提供资金,美术馆立马玩不转。”9月8日,2013首届中国民营美术馆发展论坛上,有人直言国内民营美术馆遭遇的“牵线木偶”式尴尬。
近年来,国内的民营美术馆发展势头迅猛,渐成参与城市公共文化建设的重要社会力量。龙美术馆、喜玛拉雅美术馆、先锋当代艺术中心、苏珈美术馆、新天祥美术馆、凤凰艺都美术馆、经典美术馆等,都是最近一两年才涌现出来的。然而,作为新生事物的民营美术馆未来如何良性、可持续发展,却成为一道难题。
生存全凭母企“输血”
圈内人心知肚明,办美术馆绝非闹着玩,它简直是个不停地吞噬资金的“无底洞”。其所承载的收藏、办展、研究、教育四大功能,样样需要“烧钱”,这种非盈利性质与投资方的“回报率”追求存在天然的矛盾。公立美术馆尚有固定的官方拨款可以依靠,而民营美术馆则只好紧抱作为投资方的母企业。
然而,艺术评论家吕澎坦言:“房地产商投资美术馆,往往带有企业惯性,喜欢从纯粹经营的角度去思考投入的资金在多长时间、多大范围内最终能收获多少回报。这容易造成美术馆建成之后开馆展办得有声有色,但随着此后投入资金的不确定性,美术馆的展览水平可能一下子就下降了,甚至直接关门大吉。”
正因为资金的持续性没法保证,在上世纪90年代国内民营美术馆第一波浪潮中“吃螃蟹的勇士”们几乎无一例外地“死”在了沙滩上。成立于1998年的上河美术馆由成都地产商投资,可谓国内第一家收藏、展示和研究中国前卫艺术的当代美术馆。起初它的确举办过“首届上河美术馆收藏展”、“阿尔弗雷德-尔德里卡创作展”等一些颇具社会影响力的展览,不过,令很多人感到意外的是,当2001年出资方资金链断裂后,它骤然宣告停馆。而与上河美术馆几乎同期成立的沈阳东宇美术馆、天津泰达美术馆,几年后也因为资金等问题而难逃倒闭的命运。
“以展代藏”先天不足
有业内人士坦言,国内民营美术馆之所以在资金面前如此被动,其实自身也有不少问题。“比如缺乏独立性、专业性以及长远的运营规划,使其只能成为母企业的利益傀儡。大多数民营美术馆都笼而统之地标榜推广当代艺术,至于具体针对当代艺术中的哪一块、如何结合区域特色等均没有进一步的思考。某些由地产商出资兴建的美术馆就是为了彰显社区的文化品位,以便楼盘大卖。其中有的甚至根本没什么藏品就匆匆建了起来,结果只能以展览代收藏。可如果没有藏品,美术馆的研究从何做起?谈何专业性?这顶多只能算艺术展示空间,就是具空壳。”
据他透露,欧美大多数民营美术馆都是先有藏品再有美术馆的,有的甚至就起源于一些大收藏家。“最著名的代表便是古根海姆美术馆的创办者美国古根海姆家族。远一些的可以追溯到1581年意大利美第奇家族创办的乌菲齐博物馆。他们的收藏往往是有一定方向和脉络的。”

“社会生态”亟待改善
在原今日美术馆馆长张子康看来,国内民营美术馆需要琢磨如何社会化。“美国的私立美术馆,一开始采用的体系就是多家企业联合建造,很容易社会化。而中国面临的问题则往往是某一家企业直接给美术馆提供供给,这样风险极大。只有当建立起一种新的运营模式,才能稳定民营美术馆。”艺术评论家皮力强调:“未来的民营美术馆,管理权、监督权和所有权最好分立。”
据了解,欧美民营美术馆已经取得了“基金会制度”这一成熟的经验:私人美术馆、艺术家组织、博物馆和另类艺术空间等非盈利社会文化机构一旦注册成功,便能够申请各类政府和非政府基金。这既可以多渠道解决美术馆自身发展的资金,也避免了资本对艺术和文化项目的直接干预。
不过,目前艺术生态中的基金会模式在中国碰到了“水土不服”的情况,也就是说国内暂无通行于欧美多国、针对艺术捐赠或赞助的“同额免税”政策。这种政策是向民营美术馆等非盈利文化机构捐赠赞助的个人或企业,可享受免税或减税待遇。我国的一些人士和机构虽然有意将资金注入艺术品领域,但是由于没法享受类似优待,因而积极性不高。国内民营美术馆可以自我“造血”差钱,似乎是横亘在国内民营美术馆面前的头号难题,尤其是当“同额免税”这类政策缺位时,没法调动社会资本投入艺术领域的积极性。不过,题再难,不等于无解。事实上,国内已经有一些民营美术馆在摸爬滚打中走出了一条路,不仅能把钱给找来,还能把钱给挣了。前提是以鲜明的定位打造属于自己的文化品牌,拓展公共价值。裸露在市场环境中的民营美术馆,是讲优胜劣汰的。
黏住观众,拓展公共价值
“建起美术馆的大楼,辟出宽敞明亮的展厅,甚至购入一批艺术品,只要有钱,都是容易的事。真正难的,是培养出一批固定的受众,让他们认可你的美术馆,有事没事愿意到你的美术馆去。我们需要驱动需求,这意味着首先要打造一个品牌。”前英国当代艺术中心总监Philip Dodd说。他介绍了国外民营美术馆的几种成功模式,比如以意大利都灵的两家美术馆为代表的教育型模式,专注于大众教育项目,通过提高公众对艺术的认知度树立起自己的声望;又如以美国华盛顿的鲁贝尔家族为代表的城市复兴型模式,为老城区注入新活力。
Philip Dodd也提议:“我们是不是可以试着考虑如何和目标受众沟通。伦敦泰特现代艺术馆就曾邀请伦敦全城的出租车司机参加开馆活动,因为他们是城市重要的参与者,未来他们将可能载着更多的观众驶向美术馆。这样的举措,我们同样可以效仿。我们甚至可以采用一些新兴技术与新一代的受众沟通。我发现我的儿子从来不去美术馆,倒是一天到晚摆弄他的手机。我们是不是可以借助手机尝试一些推广活动?事实上,已经有一些美术馆这么做了。”
据了解,国内不少民营美术馆在驱动需求方面花足了心思。比如,上海喜玛拉雅美术馆就致力于生活化的探索。今年6月,他们开启“美术馆奇妙夜”项目,为新馆开幕展《意·象》进行夜间导览,邀请公众背上睡袋夜宿美术馆,还特别叮嘱“独特造型准入”。这一探索果然成功吸引不少“粉丝”。北京今日美术馆也推出了“美术馆一天”计划,鼓励观众到美术馆进行文化体验,如让他们上午看展览,中午在周边社区用午餐,下午听免费讲座或者参加免费的儿童工作坊活动。上海震旦艺术博物馆的经验则是寻求与商业品牌合作,将展览升级为一桩文化事件。去年年初,他们成功地说服世界知名品牌将“宝格丽125年意大利经典设计艺术展”的全球巡展上海站选在自家地盘,两个月的展期,天天人气爆棚。当然,这也得基于这家艺术机构本身经过多年积累创出的品牌效应。品牌的强强联合才可能让合作价值得到最大程度的提升,也才可能争取更多商业合作的机会。

良性循环,开辟资金来源
打造自己的文化品牌,民营美术馆不仅能成功吸纳赞助,甚至可以建立良性循环的文化产业链,主动发掘一部分资金来源。
尤伦斯当代艺术中心首席执行官薛梅与大家分享的“生意经”令人大开眼界。这家位于北京798艺术区的美术馆依赖尤伦斯基金会的资金起步,第一年得到基金会的资助是8000多万元,此后基金会的投入逐年递减。如今六七年过去了,今年需要基金会资助金额为2100万元,仅为全年运营费用的33%。别以为尤伦斯当代艺术中心在走下坡路,恰恰相反,其影响力正在与日俱增。向基金会寻求的资助少了,是因为美术馆拥有了自行造血、自主经营的能力。薛梅透露,其艺术商店的收入占美术馆总收入的55%。商店里的商品与美术馆的展览息息相关,都是设计与艺术相融的日常生活用品。而像北京的今日美术馆,书画,字画,书法,国画,油画,画展,画廊,画家,收藏,书画门户,书画作品,中国书画,书画网,傅体书法,书法家,书画收藏,书画回收,书画代售,伍佰艺书画,傅继英,石虎,拍卖,江因风,傅体书法,书法家,书画收藏,书画回收正在逐渐完善图书出版、发行、书店、咖啡厅、衍生品等多种经营项目,这些项目的收益都用来补助美术馆的所需资金。
避免雷同,要有鲜明特色
学术还是商业?大而杂还是小而精?展览求质还是比量?侧重创意还是教育?如何开源?怎样创收?在业内人士看来,民营美术馆的运营没有什么万灵模式可以套用,最应该避免的其实是同质化。作为公立美术馆有效补充的民营美术馆的重要特质,就在于其鲜明的定位和特色。“我们的城市完全不需要那么多雷同的美术馆。每一家美术馆都应该根据自身的地理位置、文化土壤、学术目标等决定自身的形态。各式各样的美术馆所带来的多元化与多样性是更能让人们感到欣喜的。”

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xwzx/yw/12575.html

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比起人声鼎沸的故思念公司宫中路游览区,宫中西佟大为路的这条小夹道显得肃思念静清冷。沿红墙直直地思念边一个不起眼的院落门思念汤圆一个不起眼的院落**停下。“故宫博物院文保科技部”的牌子并不显眼,但是这里却是整个故宫博物院办公区域中唯一设置了门禁装置的地方。

“闲人免进”成为这院子里的重要规定,即使对故宫内部的工作人员也得事先打好招呼才能得以入内。难怪文保科技部主任苗建民形容说:“我们这儿相当于银行的柜台内部,因为出入的东西件件都是无价之宝。我们轻易不会客,不接待参观,好比不能把外人带到银行内柜一个道理。国宝往往在我们这儿一待就是几个月,所有文保科技部的专家们都担负着修复和护宝的双重责任。”

日前,本报记者终于得以进入故宫里这座禁卫森严的神秘院落,同时“目击”了古书画修复专家们悠长的一日。尽管当日北京秋高气爽,小院里的柿子树硕果满枝,金红的果实在蓝天映衬下格外漂亮,但是一早来到这里的徐建华师傅却根本无暇抬头望天赏景,一头就扎进后院的古书画修复室。对于这位六十岁的老师傅而言,风景永远是在眼前的桌案之上,是在他低头看画、近在咫尺的地方。

7:30

打扫院落,归置桌案

清晨六点刚过,家住东四环外的徐建华师傅就搭上了进城的早班公交车。坐过两站地,他要在路边等候故宫班车,这样可以七点钟就赶到文保科技部的小院,赶到这个自己熟悉得不能再熟悉的地方。几十年来,徐师傅风雨无阻一直保持着这个习惯。

徐师傅工作经验丰富,由于掌握了一手古书画装裱修复的绝活儿,刚刚被推荐为“国家非物质文化遗产代表性传承人”。尽管现在是退休返聘回故宫,但徐师傅还保持着自学徒时就养成的习惯,先打扫院落,再回自己工作的房间中归置桌案,准备好修复字画的一切“家什”。马蹄刀、排笔、大小毛笔、锥子、剪刀及各色绢、纸……林林总总有几十件,光从这些工具上,就能看出修复古书画可是个需要万分细心的手艺活儿。

“别小瞧这些准备工作,最能锻炼人的认真和耐心。能修好一幅古字画,必须从头就一丝不苟,少做一样都不行。我当年刚入行时,就是从做这些不起眼的小事开始的。”

一幅古书画修复的过程极为漫长。徐师傅随手拿起一把马蹄刀,在正待修整的一幅嘉庆手书的贴落上轻轻挑刮,画面上黏附的污渍及针尖大小的霉迹就被一点点去除干净了。然而,这只是修复工作中最细微的一步而已,接下来还要去除霉迹、揭背等工序。偌大画面上的污渍、霉迹要用挑刮、清洗等各种相应的处理方法全部除净,动辄耗时月余。可以想象当年一个**出头的年轻人,需要极大的热情和恒心,才能对抗这样日复一日漫长的寂寞。“最开始来到故宫这里,是想选择去钟表修复科。毕竟觉得那些会动会转的玩意儿更好玩些。可是当时的领导说,古书画修复这里最缺人手。故宫里还有那么多国宝字画不修整就会出问题,对不起国家,也对不起这门老祖宗传下来的手艺。我听着在理,就干了下来。”

8:30

“全色接笔”修旧如旧

一幅古代字画的修复过程非常复杂,从清洗去污、揭背补缀、全色接笔,到最后的“上墙”、重新装裱成品等等,细细算来需要百十道工序,耗时数月经年的情况并不鲜见。徐建华师傅今天所做的主要工作,就是对这幅贴落补全颜色,拿修复行业的术语简称为“全色”。

“在揭裱修复古代书法、绘画作品的过程中,由于画心的破损往往需要修补。修补用的纸或绢除去质地、纹理基本一致而外,颜色总比画心要浅一些,这就需要用国画颜料将修补的破洞的颜色修复得跟画心的底色一样,这就是全色。”徐师傅说,全色是一项非常细致的工作,不仅要求工作人员有纯熟的技巧,还需要有敏锐的观察力和美学修养,这才能把一幅古画修旧如旧,复原得天衣无缝。徐师傅一边说,一边拿起支羊毫笔伸向调色盘,在画面上修补过的地方一笔一笔仔细上色,每描一处后,徐师傅反复端详,再根据画面调出其他或深或浅的颜色一一补全。

在故宫公开展出的书画作品,许多都是经过这里书画修复工作人员的亲手修整才得以亮相。几十年来,故宫的古书画修复专家们修复过张择端《清明山河图》、展子虔《游春图》、顾闳中《韩熙载夜宴图》、唐冯承素临王羲之《兰亭序》等诸多堪称国宝的一级文物。

9:30

手把手指导徒弟“上局条”

作为故宫古画装裱修复技艺传承人的代表,徐建华师傅早已名满海内外,同时为故宫和兄弟博物馆培养了众多书画装裱修复人,前来这里拜师的人络绎不绝。记者采访当天,就看到了身为大学毕业生的徒弟张潇在徐师傅手把手地指导下,勤练基本功。徐师傅自打进入小院工作室,就忙得一刻不停。这不,刚刚完成全色之余,在等待颜色晾干之时,徐师傅又转到另一张条案前亲手给小张演示如何“上局条”。

“局条”是镶于书画心周围的纸牙,以其将书画心和镶料边接在一起。局条起保护画心的作用,一般较有价值的书画都镶局条。有局条,日后重裱无损画面,同时也使字画更加庄重美观。小张用来练习的是一幅当代书法作品,而上局条之前,还需要将作品的四边用针锥穿孔,并涂好糨糊先转好边。仅仅涂糨糊一项,看似简单却奥妙无穷。涂多了,糨糊粘满纸面厚厚地无法卷起纸边,涂少了又太轻薄,卷起来纸边又会张开。如何涂得又匀又快,真让初学者无所适从。只见徐师傅手捏排笔微微倾斜,眨眼间糨糊刷满纸边,再随手一翻纸边轻轻卷起,一套动作干净利索还很帅,旁观的几位学徒不禁瞪大了眼睛。

14:00

拍摄手艺传承纪录片

“全颜色”是个费时间、费眼神的细致活儿,常常一干就是好几天。下午一上班,徐师傅继续为贴落全色。刚画了一会儿,就有故宫摄像组的同事进屋拍摄纪录片,还递给老师傅一张刚刚制作完成的《故宫绝活儿》DVD请他提提意见。

如今,故宫书画装裱技艺已经被列为“国家非物质遗产”。给故宫人的传统技艺系统地拍摄录影资料,这在故宫发展史上还是第一次。“文物保护不光是保护你看得见的东西,还有些是属于技艺型、工艺型的,对它的保护也相当重要。”而记录以故宫专家们对古书画修复的过程,无形间就保护和传承了已有一千多年历史的书画装裱的技艺。

“当年我跟随我师傅修复的第一幅古画就是我国最早的青绿山水——隋代展子虔所绘《游春图》。听说这画是大收藏家张伯驹倾家荡产才买下捐给国家的,我们这些修复师傅当然要对得起国宝才行。”徐建华师傅指着书画修复工作室墙上的“非遗”证书,随口说出自己的修复故事就让人惊叹。而在徐师傅看来,他爱上这个行当的理由,除了喜欢,还有责任。

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xwzx/yw/12574.html

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忽培元书画评论与书法艺术谈
忽培元认识忽培元是5年前在大庆。一次书画讲座,听说听众中有一位市委领导。我一贯对于附庸风雅的“官人”混迹书画行当不屑一顾。因此有人介绍,我也并没当回事情。不料过了几天,报纸上刊登一篇文章,是谈我的画艺的,署名是“忽培元”。我看了文章,大为惊奇。难道这篇专业上乘的文章果真出自那位与我仅有一面之交的“官人”吗?我一打听,果然没错。文章究竟如何?我的夫人和女儿读后说:“所有写你的评论,这一篇最有文采。”我也是这么认为。便愈加惊奇了。以后到大庆再见面,我就问他,“你同我只是一两个小时接触,也没唠几句话,怎么就写出那样一篇奇文章?”他嘿嘿地笑着说,“我读你的人和画,就知道你的心了。”从此,我们成了忘年之交。他是我的艺术的一个知音,我也逐渐对他的学养与人品有了更多了解。他是学中文的又兼修经济,工作之余坚持文学创作和书法研习。早在延安市担任文教书记时,就获得省里“德艺双馨”嘉奖、参加了全国文代会。他的勤奋学养与艺术天分使我折服。我很庆幸同他相识,逢人便说,“黑龙江大庆有一位懂文艺的领导,是真懂,是大行家。”他写画家修军评传,获全国传记大奖。北京的吴冠中、黄永玉、阴衍江,陕西的刘文西、赵正川、王西京、吴三大、黑龙江的晁楣、刘路等书画大家及作品他都有过专门鉴赏和评论。他文章写得精到、精彩,却又质朴无华,人也大致如此。他的书法,是下过狠功夫的。许多年来日课百字不辍,由贴入碑,颜体为本,魏碑佐之,二爨写的也很到家。不滑、不俗,行草更见骨力个性。大小字皆善而只是低调,从不喧哗,很少示人。自云:只练字,不写字也。那一年相约到五大连池雅集笔会,他亮出绝招:依名拟对,立挥而就,既工且巧,文采飞扬,令四座皆惊。更能尊题作赋,也是一挥而就,若行云流水,令人叹为观止。笔谈至此,我心不悦,如此一才,黑龙江竟然未得留住,实乃老天爷有眼无珠!好在人民识货,大庆有心!近期评他五十年文艺创作特别贡献奖。他的两篇名赋《大庆赋》、《铁人铭》,市委市府英明决策,作为大庆精神文化结晶铸成巨大铜鼎立于世纪广场。他主编的《大庆文艺精品丛书》惶惶千万言,成为市礼被人们珍藏。他的长诗《共和国不会忘记》荣获中华铁人文学大奖。这就是我认识的忽培元,可谓学养深厚、德艺双馨,人才难得矣。
忽培元,1956年生,中国书法家协会会员、黑龙江省书法家协会理事、大庆和延安书协名誉主席、中国书画宝库艺委会副主席;中国作家协会会员,中国传记文学学会副会长,中国红色文化研究会副会长、中国散文学会理事。长期从事文学创作、书画评论和书法研习。曾率大庆书法家代表团访问韩国、并举办中韩友好城市联合书展,得到韩国书协名誉主席、前总统金泳三先生亲切接见、并互赠各自书法作品。文学作品曾多次获全国大奖,书法作品数次参加国展。贾平西先生评价其“书风古朴、既有颜柳风骨、又兼魏韵爨味,时常现场提笔吟诗撰赋、藏名作对,立挥而就,才惊四座。”先后发表作品20多部计600余万字。评论过的书画大家有饶宗颐、贾平西、阴衍江、赵振川、王西京、修军、吴三大、晁楣、张路、艾生等。《修军评传》(人民美术出版社出版)引起文学界、美术界热议,获全国优秀长篇传记奖。另有《忽培元书法选集》面世。与中国书协隶书委员会秘书长张继先生合作完成隶书长卷《大庆赋》、《铁人铭》(张继书、忽培元撰文)发表、出版后引起较大反响,被书法界誉为“难得的精品力作”。与中国书协草书委员会秘书长刘洪彪先生合作完成《六十米虎韵长卷颂》(刘洪彪书、忽培元撰文),堪称图文并茂,得到评论界热议书画,字画,书法,国画,油画,画展,画廊,画家,收藏,书画门户,书画作品,中国书画,书画网,傅体书法,书法家,书画收藏,书画回收,书画代售,伍佰艺书画,傅继英,石虎,拍卖,江因风,傅体书法,书法家,书画收藏,书画回收。

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xwzx/yw/12573.html

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学者梁江:绘画的才情来自学者本色
梁江《醉翁亭记》
学者梁江:绘画的才情来自学者本色
梁江山水画

从2011年1月18日起,广东籍知名史论学者梁江在东莞岭南美术馆举办首次个人书画作品展《情怀岭南》,展览由方旭东担任策展人,朱万章担任学术主持,展出梁江近年所作书法和山水、花鸟作品一百余件,展期为20天。梁江称展览取名“情怀岭南”,表示他对广东人文沃土的眷恋。
绘画的才情来自学者本色

梁江是广东美术界的第一位博士和首位博士生导师。他早年毕业于广州美术学院油画系,后到北京完成硕士和博士学业。在北京任中国艺术研究院美术研究所所长、中国美术馆副馆长。著有《美术概论新编》、《广东画坛闻见录》、《中国美术鉴藏史稿》等书,在美术理论上颇有建树。

梁江自幼临习名家法帖,苦练各种书体,其行草书苍劲朴质,个性鲜明,后作中国画。本展作品题材多样,既有秋水苍松落雁,也有白荷青花黑牡丹,共百余件。其学生、知名书画评论家朱万章评价说:“梁江的书法中,充溢着一种恬静而平和的心境。这是与他长期的历练和深厚的学养分不开的。梁江书法和绘画上呈现的才情和个性特征,来自于他的学者本色。”

凭空写评论是隔靴搔痒

梁江素以美术理论研究与美术教育驰名学界,此次的首次个人书画作品展,却以画家身份进入大众视野,据了解,这种身份转换出现在不少文化研究的学者身上,不少人为此感到好奇。梁江表示,这是一个好现象,理论研究和实践是一体的,不可分开。“实践是理论的基础,也是必备的要素,没有体会和理解,不能凭空写评论的,否则这是隔靴搔痒。”

他同时指出但目前大多评论家不懂绘画,是艺术批评的通病。“艺术批评是一个专业行为,把深奥的理论化作简单通俗的语言去让大众了解,需要实事求是地指出作品的优劣,给画家提出导向性见解。这么多年来,我们的艺术评论都范了这个错误。这种风气要赶快纠正过来。”

访谈

南方都市报(微博)(以下简称南都):梁老师,为人熟悉的是你的史论学者的身份,现在你举办《情怀岭南》一展,突然以画家身份进入大众视野,你是怎么看待这种转型?
梁江:我并不是从搞理论转行去搞创作的,其实我从小就在书法上下了很多功夫,并从广美油画系毕业,也就是说我是科班出生。由于各种原因,我在美术史这个范畴中崛起,慢慢地,大家就开始把我定位为理论家、学者,没把我当书法家或是画家。实际上,我一直在研究甚至创作书画。其实理论研究和实践是一体的,并不可分开;实践是理论的基础,也是必备的要素,没有体会和理解,是不能凭空下评论的。否则这样的评论是隔靴搔痒的,也是艺术评论的大忌。所以这么多年来,我一直坚持着创作与理论研究双结合。之前由于个人的涵养问题,所以觉得没有必要以单独的书法家身份来与观众见面,以至于观众都忘了其实我也是画画出身的。事实上,这么多年来我一直坚持画画,同时我也认为在评论作品时,我的眼光比其他人更为严格、苛刻和透彻。因为这是一个专业要求,虽然当局者迷,但在评价自己作品是我还是保持清醒的头脑,对自己的作品还不是太满意。有时候我在练习和尝试的过程中,我认为有些作品还不够成熟,还不能完全表达我的内心想法和目标,因此我并不愿意把这些作品拿出展览。以致大家都认为我不会画画了。同时我也比搞实践的画家要求更高,一般专业的画家或书法家,他们会专攻一个题材或风格,人们也会觉得这是很正常,不会要求他们研究各个方面;但我同时也是搞理论的,需要关注更多的风格和技法,不能仅仅了解其一二,我需要更加全面,尽可能地去探索其他风格和技法,画不同的画、写不同的字体,让自己有更多的体验,这样我的评论就会比较内行和专业了。所以你们看到我的作品,都会呈现不同的技法,不同的字体,不同的风格。

凭空写评论是隔靴搔痒

南都:如果不搞创作而进行艺术评论,对评论界会出现什么后果?

梁江:我认为这是艺术批评的一个不良风气,我也在一些研讨会上指出只是艺术批评的通病。事实上,艺术批评是一个专业行为,我们需要实事求是地指出作品的优劣指出,甚至还要指出指导画家发展的导向性见解。但现在许多批评家都无法做到,他们无法进入艺术圈子里面,无法亲身体验。他们的评论不到位,用毛主席的话说就是“以人昏昏要使人昭昭”,这是不可能的。他们用大而化之、外来的概念来描述当下的现状,实际上这样的描述是不准确的,尽是说不着边际的话。指的方向也是很含糊的。这些现象都是非常普遍的,甚至有人把这些感念当作是文化策略,作为一个负责的,有职业良知的艺术批评家,要避免这些通病,这样才能承担起应该的社会责任。
艺术评论的难点是把深奥的理论化作简单通俗的语言去让大众了解,而不是把很平常通俗的东西说得很高深。这么多年来,我们的艺术评论都范了这个错误。这种风气要赶快纠正过来。

南都:出现这种情况的根本原因是什么?

梁江:第一,我们这个社会的某些风气不太好,有些东西需要炒作,需要文化经营,艺术批评就变成鲜花批评、软广告,改变这种风气需要我们的共同经营;第二,在社会转型期,我们批评家要负起我们的专业职责,但很多批评家并不能坚守他们的专业底线;第三,很多批评家并不具备专业能力,他们理所不能及却硬要评论。所以我为了避免这种情况,就一直坚持创作,这样就可以和我的批评相互促进。这就回到我为什么很少拿作品出来展览的问题上了,因为创作是我专业需要,会画画不奇怪,不会画画才是奇怪。同时这也与我个人为人处事有关系,我对于事业上的追求是非常严谨的,但对私人生活的要求则是得过且过。这样我的作品与市场无关,所以我的创作都呈现出轻松自如的状态。只是,艺术创作本应如此,它是超功利了,一旦与利益扯上关系,就不单纯了。我也是无意中经营到这个状况,或许也可以给艺术同行提供一些经验。

艺术市场处于失范阶段

南都:这些年来,艺术市场有着怎样的转变,请你分析一下?

梁江:当今的中国艺术市场与股市一样,同处在非正常阶段。我也非常尖锐地批评过这个情况。有人仅仅把这归结会社会转型的问题,但我认为并不是那么简单。譬如说,艺术评判的标准被颠覆了,旧的被打破了,但是新的还没建立起来。我们处于一个失范的时代,大家无从判别艺术的好坏。这样就为艺术市场的投机者留下空间,大家都误认为卖得贵的作品。价值和价格并不是一回事,其实这不是价值而是市场价格,而这个市场价格是人为的。现在价值和价格分离是一个非常严重的问题,这种炒作都是有利益推动,这是不正常的也不规范。作为一般群众,对那些天价艺术品要保持冷静的头脑;作为艺术家,也不能跟风,不能因为作品卖得贵而心浮气躁。无论是群众还是艺术家还是要和市场保持一定距离,不要被广告、媒体等影响。像我们的国宝都是无价的,都是被收藏起来的,但偶尔也会流落一些出来,但它们的价格还不如一些当代油画的价格高,这不是笑话吗?因为这些国宝都是独一无二的,把它们炒高了,也没有第二件作品可卖,所以它们的炒作空间很小。有些机构画廊通常都会收藏一两百件作品,他们炒高作品的目的是把剩余的收藏都能以高价卖出。说得难听一点,这个影响策略其实很简单,像卖洗发水产品,就把样品寄到各单位,大家就会记住这个品牌;“炒画”的道理也是一样的。所以我们不要轻易上当。

学者梁江:绘画的才情来自学者本色

艺术评论的难点是把深奥的理论化作简单通俗的语言去让大众了解,而不是把很平常通俗的东西说得很高深。这么多年来,我们的艺术评论都范了这个错误。这种风气要赶快纠正过来。

南都:出现这种情况的根本原因是什么?

梁江:第一,我们这个社会的某些风气不太好,有些东西需要炒作,需要文化经营,艺术批评就变成鲜花批评、软广告,改变这种风气需要我们的共同经营;第二,在社会转型期,我们批评家要负起我们的专业职责,但很多批评家并不能坚守他们的专业底线;第三,很多批评家并不具备专业能力,他们理所不能及却硬要评论。所以我为了避免这种情况,就一直坚持创作,这样就可以和我的批评相互促进。这就回到我为什么很少拿作品出来展览的问题上了,因为创作是我专业需要,会画画不奇怪,不会画画才是奇怪。同时这也与我个人为人处事有关系,我对于事业上的追求是非常严谨的,但对私人生活的要求则是得过且过。这样我的作品与市场无关,所以我的创作都呈现出轻松自如的状态。只是,艺术创作本应如此,它是超功利了,一旦与利益扯上关系,就不单纯了。我也是无意中经营到这个状况,或许也可以给艺术同行提供一些经验。

艺术市场处于失范阶段

南都:这些年来,艺术市场有着怎样的转变,请你分析一下?

梁江:当今的中国艺术市场与股市一样,同处在非正常阶段。我也非常尖锐地批评过这个情况。有人仅仅把这归结会社会转型的问题,但我认为并不是那么简单。譬如说,艺术评判的标准被颠覆了,旧的被打破了,但是新的还没建立起来。我们处于一个失范的时代,大家无从判别艺术的好坏。这样就为艺术市场的投机者留下空间,大家都误认为卖得贵的作品。价值和价格并不是一回事,其实这不是价值而是市场价格,而这个市场价格是人为的。现在价值和价格分离是一个非常严重的问题,这种炒作都是有利益推动,这是不正常的也不规范。作为一般群众,对那些天价艺术品要保持冷静的头脑;作为艺术家,也不能跟风,不能因为作品卖得贵而心浮气躁。无论是群众还是艺术家还是要和市场保持一定距离,不要被广告、媒体等影响。像我们的国宝都是无价的,都是被收藏起来的,但偶尔也会流落一些出来,但它们的价格还不如一些当代油画的价格高,这不是笑话吗?因为这些国宝都是独一无二的,把它们炒高了,也没有第二件作品可卖,所以它们的炒作空间很小。有些机构画廊通常都会收藏一两百件作品,他们炒高作品的目的是把剩余的收藏都能以高价卖出。说得难听一点,这个影响策略其实很简单,像卖洗发水产品,就把样品寄到各单位,大家就会记住这个品牌;“炒画”的道理也是一样的。所以我们不要轻易上当。

学者梁江:绘画的才情来自学者本色
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10月 12, 2013

艺术媒体该整还是该救?

最近,时不时传出艺术媒体关门的消息,让本就不太平的当代艺术圈感到一种莫名的恐慌。艺术区拆迁之后的维权行为日复一日,而798艺术区的二房东光天化日之下的暴力举动更是让很多人在感到愤慨的同时又有些许无奈。求助,在自媒体盛行的当下,仍旧是另一个只有声援而毫无实际行动的故事,犹如望梅止渴、画饼充饥。

关于纸质媒体,全世界范围都在预言其将“被消失”、消亡于网络时代的信息泛滥,但在时下的国内艺术界,不管艺术媒体被多少人骂作是“泛滥成灾,只知骗钱”的烂杂志,其终究还是为更多希望自我营销的艺术家乃至批评家提供了一个不错的平台。至少,当“Hi小店”遭遇二房东的非法纠缠想到向媒体求助时,这个求助的范围也包括了那些被骂成烂杂志的艺术杂志。

诚然,近几年来,京城的艺术杂志是比往年多了很多,但多并不一定意味着烂,也不应为“骗钱骗画”的骂名买单。批评家高岭说:“艺术杂志泛滥成灾!把艺术家当成了现实版的客户,靠出售版面费生存;把收藏家当成了虚拟版的客户,以此来忽悠渴望出名的艺术家!艺术家用真金白银交给杂志来寻找虚拟和未知的客户——收藏家时,杂志媒体究竟承担了什么作用?杂志应端正位置,搞清楚谁为客户,不要盯着艺术家的口袋,而要盯着收藏家!”这番话语将当前国内大多数的艺术杂志推到了舆论的风口浪尖上,而言谈中为艺术杂志所塑造的形象也在随后引来了大批艺术家的认同,更一致指责当前的艺术杂志“只收钱而不办事”。

存在即为合理,国内艺术杂志的泛滥成灾或许是某种不被公开的事实,但造成这一事实存在的难道是杂志本身吗?试想,如果没有市场的需求,如此众多的艺术杂志应该早就在市场的自我淘汰中消失了,何须今日之疯狂批判?官办艺术杂志,尤其是关于当代艺术领域的杂志在我国并不多见,最早的《美术思潮》、《江苏画刊》以及《中国美术报》被以“两刊一报”之名盛至今。但在时过境迁之后,这昔日的传说早已沦为昨日黄花,鲜有人再花心思关注。而今,活跃于市场之中的艺术杂志多数为民办刊物,这类刊物少有正规的国内刊号存在,但正是这些被称为“烂杂志”的艺术刊物,书画,书画作品,拍卖,收藏,却见证了中国当代艺术这些年的兴衰与成败。用“兔死狗烹,鸟尽弓藏”来形容如今这些艺术刊物的命运实在不算过分。

或许,在高岭的眼中,艺术杂志应该不畏生死,只为传播,应该放过艺术家,专心向收藏家要钱,甚至应该只办事而不收钱,但这样的设想现实吗?且不说当前艺术杂志本身的觉悟没有那么高,就算具备这样的觉悟,盯着收藏家的钱包就合理吗?艺术杂志的存在是市场供需关系的直接体现。北京城里上万个艺术家当中功成名就的占不了几个,剩下的群体谁不想早日脱离苦海飞黄腾达?艺术杂志在为其提供必要的宣传机会的同时,收取相应的酬劳也应该纯属周瑜打黄盖一个愿打一个愿挨。对于出钱的艺术家而言,这样的合作模式虽说效果不大,但终究仍是看得到摸得着的,总比那些动动笔杆子就收钱的坐台批评要好很多吧!

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xwzx/yw/12550.html

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10月 10, 2013

亚洲著名的艺术品交易盛会——2013(第十七届)上海艺术博览会,作为今年中国上海国际艺术节的压轴大展,将于11月14日—17日在世贸商城(兴义路99号)盛装登场。

随着开幕时间的日益临近,中外画廊确定携来参展的重量级作品陆续浮上水面。近日,参展商奥地利斯坦纳画廊宣布,他们将携带中国藏家极为熟悉的,荷兰后印象派画家梵高和奥地利重要的表现主义画家席勒的版画作品前来亮相,这是上海艺术博览会创办17年以来,首次展出这两位世界级大师的作品。

梵高,作为表现主义的先驱,深深影响了二十世纪的艺术,尤其是野兽派与表现主义。他的作品,如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等,现已跻身于全球最著名、广为人知与珍贵的艺术作品的行列。

此次他在本届上海艺博会上展出的这幅作品名称为:《伏案的作家》,尺寸为33×24 厘米,是梵高著名的画作之一,创作于1881年,创作地点则是在荷兰北部的小镇埃滕,当时梵高用钢笔,铅笔和水彩绘制成了这幅作品。画中的作家穿着外套,戴着帽子,优雅地坐在椅子上,在桌边奋笔疾书……《伏案的作家》的原作存于塞尔维亚贝尔格莱德国家博物馆,2012年被批准制作成限量石版画,并附有官方来源证书。

而席勒作为20世纪初期一位重要的表现主义画家,作品的特色是表现力强烈,描绘扭曲的人物和肢体,且主题多是自画像。

此次他在2013上海艺博会展出的数幅版画作品,均制作于1912年左右,其中一幅作品的名称就与中国有缘,《自画像与中国彩灯》,尺寸为32×40 厘米,这是席勒最著名的自画像之一,画面中那些错综复杂的元素被神奇有序地控制,画家自身的头颅朝向一边,犹如彩灯般的中国灯笼花弯曲的茎蔓和干枯的叶子使他的头发和躯干精致地灵动在画面中……席勒精准地在自画像中表达了他自己这个高度敏感的男人以及艺术家的躯体与灵魂。

另外,席勒的其他几幅作品,如 《Wally Neuzil的肖像》、《蓝衣自画像》等,他都利用几何学的形态创造了严谨而平衡的构图,用身体的细节去阐释内涵,有力地描述了人的精神层面,而且他用不可思议的和谐色调营造出一种令人印象深刻的生动。

奥地利斯坦纳画廊表示,他们真诚地希望这批梵高和席勒的作品能与中国藏家结缘,能够留在中国,成就中国艺术品市场新的一段佳话。

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

梵高《 伏案的作家》 版画

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

席勒《自画像与中国彩灯》 版画

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

席勒   《Wally Neuzil的肖像》  版画

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

席勒《蓝衣自画像》版画

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xwzx/yw/12531.html

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亚洲著名的艺术品交易盛会——2013(第十七届)上海艺术博览会,作为今年中国上海国际艺术节的压轴大展,将于11月14日—17日在世贸商城(兴义路99号)盛装登场。

随着开幕时间的日益临近,中外画廊确定携来参展的重量级作品陆续浮上水面。近日,参展商奥地利斯坦纳画廊宣布,他们将携带中国藏家极为熟悉的,荷兰后印象派画家梵高和奥地利重要的表现主义画家席勒的版画作品前来亮相,这是上海艺术博览会创办17年以来,首次展出这两位世界级大师的作品。

梵高,作为表现主义的先驱,深深影响了二十世纪的艺术,尤其是野兽派与表现主义。他的作品,如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等,现已跻身于全球最著名、广为人知与珍贵的艺术作品的行列。

此次他在本届上海艺博会上展出的这幅作品名称为:《伏案的作家》,尺寸为33×24 厘米,是梵高著名的画作之一,创作于1881年,创作地点则是在荷兰北部的小镇埃滕,当时梵高用钢笔,铅笔和水彩绘制成了这幅作品。画中的作家穿着外套,戴着帽子,优雅地坐在椅子上,在桌边奋笔疾书……《伏案的作家》的原作存于塞尔维亚贝尔格莱德国家博物馆,2012年被批准制作成限量石版画,并附有官方来源证书。

而席勒作为20世纪初期一位重要的表现主义画家,作品的特色是表现力强烈,描绘扭曲的人物和肢体,且主题多是自画像。

此次他在2013上海艺博会展出的数幅版画作品,均制作于1912年左右,其中一幅作品的名称就与中国有缘,《自画像与中国彩灯》,尺寸为32×40 厘米,这是席勒最著名的自画像之一,画面中那些错综复杂的元素被神奇有序地控制,画家自身的头颅朝向一边,犹如彩灯般的中国灯笼花弯曲的茎蔓和干枯的叶子使他的头发和躯干精致地灵动在画面中……席勒精准地在自画像中表达了他自己这个高度敏感的男人以及艺术家的躯体与灵魂。

另外,席勒的其他几幅作品,如 《Wally Neuzil的肖像》、《蓝衣自画像》等,他都利用几何学的形态创造了严谨而平衡的构图,用身体的细节去阐释内涵,有力地描述了人的精神层面,而且他用不可思议的和谐色调营造出一种令人印象深刻的生动。

奥地利斯坦纳画廊表示,他们真诚地希望这批梵高和席勒的作品能与中国藏家结缘,能够留在中国,成就中国艺术品市场新的一段佳话。

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

梵高《 伏案的作家》 版画

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

席勒《自画像与中国彩灯》 版画

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

席勒   《Wally Neuzil的肖像》  版画

2013上海艺博会11月14日开幕 “梵高”和“席勒”将闪亮出席

席勒《蓝衣自画像》版画

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10月 9, 2013

写实是岭南画派的特点也是局限 刘思东作品《云烟四起》。 写实是岭南画派的特点也是局限 刘思东作品《密林生烟》。

在岭南画坛,不乏父子兵组合,著名画家刘济荣与其子刘思东便是一对典范。父亲刘济荣主要在人物画领域成就卓然,而刘思东则主攻山水与花鸟,且有不俗建树。

生在书画世家,幼承庭训,刘思东非常自然地步入艺术殿堂。从美院科班训练到任教美术系,从倾情西方美术观念到彻底服膺中国传统艺术精神,刘思东逐渐找到了自己从艺的立身立命之本。在他看来,绘事绝不止是简单的技术活,更重要的是文化修道与灵魂呈现。

刘思东同样惊喜地发现,在写实主义过度突显、传统功底不受重视的广东艺坛,越来越多的中青年同道认识到回归传统、并从传统中突破的必要性。“这是可喜的变化,亦预示着本土画坛的希望”。

采写:收藏周刊记者 韩帮文

●谈父亲刘济荣

“画画时太专注了,他经常把饭菜煮糊”

由于父亲在广州美院教书,一家人都住在学校里,家中墨香飘逸,书画报刊触手可及,而座上宾亦是文人墨客。刘思东在这样的氛围中,9岁便正式拿起笔管,跟随父亲学画,主要是训练书法、素描、色彩等基本功。刘思东称,父亲主要是引导性的教他,并没有严苛强制地让他学习,也没有一手全揽,劝他非从艺不可。“但过了一段时间,父亲觉得自己人教不了自己人,便把我送到培训班,转给其他老师教”。

除了艺术萌芽与基本功最初来自于父亲,刘思东感慨从父亲那里受教最多的还是对艺术的赤诚之心。“他对艺术极度执着,一天到晚除了上课就是画画,经常在家里边煮饭边画画,而往往因为沉迷其中,饭菜都煮糊了”。刘济荣勤于绘画的习惯一直保持下来,今年已过八旬仍笔耕不辏刘思东由此真正明白,艺术是一辈子的事情,就必须完全忠诚,来不得半点马虎与偷懒。

在高中的时候,抱着成为科学家的理想,刘思东进入理科重点班学习。但他越来越发现,自己其实更倾心文学艺术,最终“改弦易辙”考入广州美术学院,成为班里年龄最小的学生。

●谈自己

从“国画已死”的幼稚蜕变为“遵从古意”的成熟

上世纪80年代中期,刘思东读书期间,李小山领衔的“85美术思潮”风头正劲。当时的艺术青年不满于苏联的学院派美术,厌烦了传统文化的价值观,试图从西方艺术中寻找新的血液与能量。受反叛传统与崇拜西方的时代大环境影响,刘思东像其他青年学生一样以为“国画已死”,只愿在写生主义绘画中流连忘返。

但父亲刘济荣给予了及时提醒。“他告诉我,在中国还是要做国画,搞西方的艺术怎么搞也比不上西方。”刘思东最终“悬崖勒马”,他如今回忆起来连叹当年太幼稚。“无知者无畏,对传统不了解才会那么叫嚣传统已死。”

此后,刘思东开始一步步回归传统,石涛、米芾、黄宾虹的作品都占领了他的心。从2000年起,刘思东对笔墨的掌控更多了随心所欲,艺术面貌为之一大变,营造了既有传统古意又有现代构成的画面。“笔墨当随时代,画家固然要吃透传统,但同时还要展望未来,在画面中留下时代的印迹,表达当下的审美意识。”刘思东认为,对于传统,可以汲取其精神实质,而不能追求形式上的因袭与雷同。

“从艺其实是在修道,通过文化修养的提升,把画面中的火气、俗气与浊气排除掉,而达到一种真水无香的意境”。刘思东依然在苦练书法、吟读诗词,期望终有一日笔墨如神,对艺术的理解茅塞顿开,“蓦然回首,艺术却在灯火阑珊处。”

转自伍佰艺书画门户http://www.500art.com/html/xspl/xsgd/12524.html

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写实是岭南画派的特点也是局限 刘思东作品《云烟四起》。 写实是岭南画派的特点也是局限 刘思东作品《密林生烟》。

在岭南画坛,不乏父子兵组合,著名画家刘济荣与其子刘思东便是一对典范。父亲刘济荣主要在人物画领域成就卓然,而刘思东则主攻山水与花鸟,且有不俗建树。

生在书画世家,幼承庭训,刘思东非常自然地步入艺术殿堂。从美院科班训练到任教美术系,从倾情西方美术观念到彻底服膺中国传统艺术精神,刘思东逐渐找到了自己从艺的立身立命之本。在他看来,绘事绝不止是简单的技术活,更重要的是文化修道与灵魂呈现。

刘思东同样惊喜地发现,在写实主义过度突显、传统功底不受重视的广东艺坛,越来越多的中青年同道认识到回归传统、并从传统中突破的必要性。“这是可喜的变化,亦预示着本土画坛的希望”。

采写:收藏周刊记者 韩帮文

●谈父亲刘济荣

“画画时太专注了,他经常把饭菜煮糊”

由于父亲在广州美院教书,一家人都住在学校里,家中墨香飘逸,书画报刊触手可及,而座上宾亦是文人墨客。刘思东在这样的氛围中,9岁便正式拿起笔管,跟随父亲学画,主要是训练书法、素描、色彩等基本功。刘思东称,父亲主要是引导性的教他,并没有严苛强制地让他学习,也没有一手全揽,劝他非从艺不可。“但过了一段时间,父亲觉得自己人教不了自己人,便把我送到培训班,转给其他老师教”。

除了艺术萌芽与基本功最初来自于父亲,刘思东感慨从父亲那里受教最多的还是对艺术的赤诚之心。“他对艺术极度执着,一天到晚除了上课就是画画,经常在家里边煮饭边画画,而往往因为沉迷其中,饭菜都煮糊了”。刘济荣勤于绘画的习惯一直保持下来,今年已过八旬仍笔耕不辏刘思东由此真正明白,艺术是一辈子的事情,就必须完全忠诚,来不得半点马虎与偷懒。

在高中的时候,抱着成为科学家的理想,刘思东进入理科重点班学习。但他越来越发现,自己其实更倾心文学艺术,最终“改弦易辙”考入广州美术学院,成为班里年龄最小的学生。

●谈自己

从“国画已死”的幼稚蜕变为“遵从古意”的成熟

上世纪80年代中期,刘思东读书期间,李小山领衔的“85美术思潮”风头正劲。当时的艺术青年不满于苏联的学院派美术,厌烦了传统文化的价值观,试图从西方艺术中寻找新的血液与能量。受反叛传统与崇拜西方的时代大环境影响,刘思东像其他青年学生一样以为“国画已死”,只愿在写生主义绘画中流连忘返。

但父亲刘济荣给予了及时提醒。“他告诉我,在中国还是要做国画,搞西方的艺术怎么搞也比不上西方。”刘思东最终“悬崖勒马”,他如今回忆起来连叹当年太幼稚。“无知者无畏,对传统不了解才会那么叫嚣传统已死。”

此后,刘思东开始一步步回归传统,石涛、米芾、黄宾虹的作品都占领了他的心。从2000年起,刘思东对笔墨的掌控更多了随心所欲,艺术面貌为之一大变,营造了既有传统古意又有现代构成的画面。“笔墨当随时代,画家固然要吃透传统,但同时还要展望未来,在画面中留下时代的印迹,表达当下的审美意识。”刘思东认为,对于传统,可以汲取其精神实质,而不能追求形式上的因袭与雷同。

“从艺其实是在修道,通过文化修养的提升,把画面中的火气、俗气与浊气排除掉,而达到一种真水无香的意境”。刘思东依然在苦练书法、吟读诗词,期望终有一日笔墨如神,对艺术的理解茅塞顿开,“蓦然回首,艺术却在灯火阑珊处。”

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